For Good (For Singing Fingers) | Matt Johnson lança releitura de clássico do musical Wicked

É como estar diante do alvorecer do dia. De uma contemplação do crepúsculo do amanhecer agraciado pelo frescor que vem do horizonte trazendo aqueles primeiros lampejos de luz natural. Ainda com as folhas úmidas pelo orvalho, existe um dulçor que permeia o ecossistema, algo trazido com delicadeza e notas de um encantador intimismo. Exprimido do piano em meio às suas curtas, pausadas e espaçadas notas, esse detalhe palativo domina o ecossistema com notável sutileza.

Não é que, pela troca tonal, o instrumento consiga fornecer vislumbres de drama ou, mesmo, de algo demasiadamente pungente. Em verdade, a partir dessa desenvoltura melódica minimalista, o piano é capaz de desenvolver uma sensorialidade melódica atmosférica, o que lhe confere, inclusive, a capacidade de transpirar nuances entorpecidamente etéreas e, portanto, espirituosas.

Sua ondulação é suave, o que ocasiona na obtenção de um senso marcante de maciez que, invariavelmente, se funde a uma percepção de conforto e aconchego. Intensificando as suas silhuetas de assinatura postural intimista, esse movimento estrutural funde inclinações valsantes com uma espécie de nostalgia vulnerável.

Chamando a atenção por não se valer de um desenho estético-estrutural completamente linear, a canção consegue despertar ideias lúdicas no imaginário do ouvinte enquanto atinge uma paisagem que chega a flertar com uma cenografia disneyresca. Não necessariamente fantasiosa, mas de inclinações imaginativas, a canção, conforme avança em sua desenvoltura, vai mostrando se pautar no mesmo desenho sonoro, mudando, apenas, a escala de suas sonoridades.

Ainda assim, é interessante como o piano consegue fazer com que o espectador consiga identificar, com precisão, a divisão da canção em introdução, verso, pré-refrão, refrão, ponte e encerramento. Mesmo propositadamente ausente de linhas líricas, o instrumento, com bastante sabedoria, fornece um enredo melódico bem estruturado que, mesmo sem tanta modificação, sugere maciez, fluidez e movimento.

Nesse quesito, portanto, For Good (For Singing Fingers), na maestria de Matt Johnson, mergulha na estética meditativa e intimista de forma a aproximá-la das correntes estético-estruturais contemporâneas, como o minimalismo tonal e o neoclássico ambiental. Contemplando, então, uma ambiência sonora suave, a canção se vê diante de frases curtas e progressões harmônicas lentas, o que salienta a ideia de mesmice melódica.

Ainda assim, é um grande feito de Johnson o aprofundamento no expressionismo. Afinal, até mesmo se pautando pelo título da obra, o pianista sugere que os próprios dedos sejam capazes de se transformar em intérpretes a ponto de poderem simplesmente cantar por meio do piano. Isso é capaz, principalmente, pelo aspecto harmônico e linguístico tonal selecionado pelo músico.

Na presente composição, existe a escolha pela estabilidade ante a complexidade. É por isso que os acordes são abertos e os intervalos são frequentemente amplos a ponto de conseguirem produzir uma sensação de espaço e reverberação. A partir daí, a ambiência emocional se torna constante e se valoriza a naturalidade ressonante do instrumento, fazendo com que suas notas se prolonguem e se sobreponham com suavidade.

Sempre soando de forma a produzir um palato mais doce, algo explicado e, portanto, comprovado pela adoção dos registros médios e agudos. O piano, diante dessa percepção, adquire uma identidade sonora luminosa e etérea capaz de envolver o ouvinte em uma espécie de ecossistema cheio de serenidade e possuinte de nuances reflexivas.

É justamente aí que reside a maior força de For Good (For Singing Fingers). A canção, ao destacar não apenas a vulnerabilidade, mas a completude do piano, mostra, sem medo, não se apoiar ou, mesmo, não querer ser lembrada como algo grandioso e virtuoso. Pela escolha do próprio Johnson, a faixa privilegia a sensibilidade do toque e a qualidade da escuta, valorizando, assim, a introspecção e a capacidade de transformar gesos simples em algo sensorial profundamente expressivo.

Tal feito mostra uma atitude silenciosamente corajosa de Johnson. Ao reduzir a composição de Stephen Schwartz a um único instrumento, o pianista evidencia novas ambiências no já luminoso coração da composição. Transformando, portanto, o piano em narrador e confidente de maneira simultânea, o pianista torna a canção em algo ainda mais solitário, intimista e, inclusive, muito mais vulnerável.

Ainda que pareça existir uma completa transformação na obra original de Schwatz, a versão de Johnson mantém as linhas melódicas fiéis às da fonte, mas com uma atmosfera inquestionavelmente mais pessoal. Ainda assim, diante de seu controle tonal exemplar, o pianista extrai do instrumento uma paleta de cores que soa orquestral em sua essência, mesmo na ausência de cordas e sopros.

Cheia de pureza e calor, a canção, dinamicamente, soa perfeitamente orgânica a tal ponto que é como se o ouvinte conseguisse senti-la respirar. De certa forma, essa detecção ganha força e embasamento a partir do espectro rítmico. Com a confiança necessária para alterar suavemente o andamento, Johnson enfatiza as frases percussivas e prolonga as cadências, fazendo com que as sutis inflexões de rubato confiram à performance uma identidade perfeitamente humana. E, assim, essa releitura se transforma em um produto digno de uma escuta atenta e sensível.